Sophie Aguilera
Cerámica que desafía la mirada
Del molde a la pieza única: un proceso artesana
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Artista y escultora, encontró en la cerámica una fuente inesperada de posibilidades creativas y expresivas. Fascinada por este material desde su primer encuentro con él, ha dedicado su trayectoria artística a explorar sus múltiples cualidades, desarrollando una obra íntegramente realizada en cerámica. A través de ella ha construido un lenguaje propio, en continua evolución, que refleja tanto su crecimiento creativo como su progresiva maestría del oficio.
Su trabajo más reciente se centra en la investigación y reinterpretación del bodegón y la naturaleza muerta, tomando como referencia la tradición de la cerámica de engaño o trompe-l'œil. A través de una cuidada elaboración de formas florales, frutas y telas, desarrolla escenarios contemporáneos que dialogan con la tradición, el costumbrismo y el virtuosismo clásico. En estas composiciones incorpora sutiles elementos de sorpresa, concebidos para generar contrastes anacrónicos y estimulantes tensiones visuales que invitan al espectador a una observación más atenta.
Tras la fase de investigación comienza el desarrollo técnico de la colección, que incluye la creación de prototipos, las pruebas de volumen, color y acabado, así como la elaboración de los moldes de producción. La fabricación de estos moldes constituye una de las etapas más complejas y minuciosas del proyecto, ya que de su precisión depende la calidad de cada reproducción y la fidelidad al diseño original.
Una vez finalizados los moldes, se inicia la producción de las piezas en gres. Aunque la estructura principal se obtiene mediante colado en molde, cada objeto incorpora un importante componente manual: hojas y flores se modelan individualmente y se ensamblan una a una, de manera que cada pieza conserva pequeñas variaciones que la convierten en un objeto único.
Tras el modelado, las piezas se someten a una primera cocción de bizcocho a 980 °C, que les proporciona la resistencia necesaria para continuar el proceso. A continuación tiene lugar la fase de decoración, la más lenta y delicada de todo el trabajo. Cada pieza se pinta íntegramente a mano.
Una vez finalizada la decoración, las piezas se esmaltan cuidadosamente y se someten a una segunda y última cocción a 1.240 °C. A esta temperatura el gres alcanza su máxima dureza y el esmalte se funde definitivamente con la superficie. El resultado final es una colección realizada íntegramente de forma artesanal, donde la observación, el tiempo y la atención al detalle son tan importantes como la propia técnica.
El punto de partida de esta colección fue una profunda inmersión en el universo artístico de Carmen Laffón. Antes de comenzar el proceso creativo, se llevó a cabo una cuidadosa observación de su obra con el objetivo de identificar aquellos elementos que, además de ser representativos de su lenguaje visual, pudieran establecer un diálogo natural con una práctica artística propia.
De esta investigación surgieron las dos piezas que conforman la colección: un melocotón joyero y un candelabro en forma de racimo de uvas. Ambos objetos toman como inspiración la naturaleza y están concebidos para integrarse en la intimidad de la vida cotidiana, del mismo modo que las pinturas de Laffón encuentran belleza y significado en los gestos más sencillos.
El desarrollo de esta colección ha supuesto más de tres meses de trabajo y reflexión. Más que reproducir los motivos presentes en la obra de la artista, las piezas buscan trasladar a la cerámica su manera de mirar: una mirada pausada, íntima y profundamente atenta a la belleza de lo cotidiano. La colaboración con el museo ha permitido materializar este encuentro entre dos lenguajes artísticos, generando una propuesta que interpreta y prolonga, desde la cerámica, la sensibilidad del universo de Carmen Laffón.
Todas las imágenes son de © Daniel Santolo Franco
Sophie Aguilera
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